Réalisé par Eric Toledano, Olivier Nakache en 2011, avec François Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny, etc.

Philippe, très riche tétraplégique, recrute contre tout rationnel apparent, Driss, un jeune noir de banlieue, pour l’assister dans sa vie quotidienne. Dès l’entretien d’embauche, le ton s’affiche sans ambages comme sans pitié : l’opposition éclate entre le gars de la cité à peine sorti de prison, jean et sweat à capuche, et les professionnels de l’aide à domicile, diplômes en poche et discours faussement compassés.

Tout le film joue évidemment sur la sincérité et le naturel de Driss, dans un monde où le handicap et l’aisance financière se conjuguent plutôt avec l’affectation, le calme, la règle, la bienséance. Vivaldi s’oppose à Earth Wind and Fire, le noir au blanc, la richesse au dénuement, la vivacité à l’immobilité, la considération à la pitié, le rire à au sourire guindé, l’aérien au terre-à-terre.

 Le respect pour la vie sourd de toutes les scènes de cette comédie, car c’en est une et une efficace. On rit sans arrière-pensée aux répliques vives sans se demander si le politiquement correct, maladie dégénérative de notre société, nous le pardonnera. Le handicap est affiché dans sa véracité et dans son humanité et le film ne sombre jamais dans le misérabilisme ou dans le pathos.

Bien sûr, si je m’imaginais quelque seconde en pisse-vinaigre, je trouverais nombre de clichés, je réprouverais la scène finale, je trouverais trop facile cette construction où l’opposition systématique tient lieu de scénario. Mais foin d’esprit chagrin ! Je me suis beaucoup amusé dans ce film porté sans faiblesse par un Omar Sy très juste et un François Cluzet remarquable, comme souvent.

Ce film mérite bien son succès de billetterie !

Réalisé par Nicolas Winding Refn en 2011 avec Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston, etc.

Un homme solitaire, cascadeur le jour et conducteur pour des malfrats le soir, décide de venir en aide à sa voisine une jeune femme (Irene) et son fils. Si nous apprendrons qu’il travaille pour un garagiste automobile depuis 5 ans, son passé plus lointain restera caché. Cet homme sans nom va affronter une organisation de malfrats aux méthodes expéditives et il prouvera qu’il possède certaines ressources que la réparation des voitures, seule, ne saurait lui avoir conférées.

Il y a du Clint Eastwood dans ce personnage ; un homme solitaire, serein, poursuivant son chemin sans se laisser distraire. Héros quasi hiératique comme dans « Pale Rider » ou plus misanthrope et vengeur dans Gran Torino, le pilote demeure impassible et déchaîne sa violence sans en paraître affecté. Avec un peu plus de cinéphilie, j’aurais sans doute reconnu davantage de clin d’oeils aux films du genre ; qu’il me suffise de rappeler à ceux qui se souviennent de la poursuite dans mes canaux asséchés de Los Angeles entre un Terminator sur sa moto et son ennemi, qu’ils pourront parfaire leur mémoire.

La bande originale ponctue avec force ce film qui tient en haleine jusqu’à la dernière image. Il est interdit au moins de 12 ans pour des séquences sacrément violentes ; on se prend à se dire que penser que ça ne choquera pas les gamins de 12 ans en dit autant sur notre société que bien des études sociologiques. Parfois, il est vrai, la salle se partageait entre ceux qui fermaient les yeux (et qui le racontaient à la sortie) et ceux qui gloussaient de certains bruits ou de certains jets rougeoyants !

Un film qui vaut le déplacement.

Réalisé par Lars von Trier en 2011, avec John Hurt, Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, etc.

Dans les 5 premières minutes très belles, Lars von Trier nous montre la fin du monde, la terre rentrant en collision avec Melancholia, grosse planète bleuâtre. La musique Wagnérienne de Tristan et Yseult renforce avec grandeur le symbolisme de ces premières scènes.

Retour en arrière – 2 jours avant l’apocalypse : Justine, publicitaire talentueuse et déprimée, se marie dans le château de sa sœur Claire. Sous les paillettes et des smokings, les fissures se font jour dans cette belle cérémonie et Justine sabote sa soirée ; il y a quelques beaux portraits – la mère irascible et désabusée, le beau-père et patron qui mérite ce qu’il lui arrive !

La seconde partie du film se concentre autour de Claire ; opposée de sa sœur, dynamique, énergique ; le choix du prénom enfonce un gros clou, bien visible, face à la mélancolie de Justine ! Melancholia approche et Justine qui n’a plus rien à perdre, retrouve plus de sérénité ; de toute façon elle est convaincue qu’aucune autre vie n’existe dans l’univers et que la vie sur Terre ne mérite aucune indulgence. Claire, par contraste, a tout à perdre - ses petits bonheurs, son mari, sa sœur et surtout son fils, Léo – et le film montre sa réaction et ses tentatives pour échapper à l’inéluctable.

Le film est construit sur cette opposition des personnalités sororale et s’il y a de belles scènes (j’ai bien aimé la toute dernière, celles des montgolfières et le ‘mesureur’ d’approche de Mélancholia) et il y a aussi des longueurs (la première partie m’a ennuyé et si j’avais eu une montre je l’aurais consultée plusieurs fois) et des invraisemblances (l’approche de Melancholia ne perturbe en rien la fête et n’est dans aucune conversation, la communauté scientifique qui prévoit l’évitement et non la collision).

La réussite du film tient, pour moi, au choix d’aborder la fin du monde à travers les réactions de deux femmes et non pas comme un film catastrophe à l’américaine. A part ça, je suis quand même resté sur ma faim avec un symbolisme parfois lourdaud et une réflexion un peu courte. En plus les tressautements quasi permanents de caméra m’ont ennuyé : la caméra à l’épaule, ça a peut être une délicieuse connotation dogmatique mais ça lasse !.

Réalisé par Darren Aronofsky en 2011 avec Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, etc.

Nina est danseuse au New York City ballet, toujours dans les seconds rôles, jamais en haut de l’affiche. Alors quand Thomas Leroy (magnifiquement campé par un Vincent Cassel ambigu à souhait) souhaite monter une nouvelle version du Lac des cygnes, Nina désire plus que tout obtenir le premier rôle. Nina, fragile, craintive, répétant les gestes techniques jusqu’à la perfection, saura-t-elle incarner le cygne noir, parviendra-t-elle à se lâcher et à faire apparaître la féminité, la sensualité et la dramaturgie dont elle paraît pourtant dénuée ?

Sur une magnifique musique de Piotr Ilitch Tchaïkovski, dont tout le monde connaît quelques airs (merci la pub !), Nina va se transformer, luttant contre ce corps qu’elle martyrise jusqu’au sang, affrontant dans les regards des autres danseuses la jalousie, l’envie, la haine parfois. Elle vient de loin pourtant, Nina, dans sa chambre rose de petite fille, surchargée de peluches ; elle vit avec sa mère, une ancienne danseuse qui n’a jamais percé, qui la maintient, isolée, dans un cocon protecteur.

Ce rôle va bouleverser Nina ; elle voit son double dans les miroirs, elle a des hallucinations d’une totale prégnance. La fille fragile va devoir se débarrasser de ses peurs et de ses fardeaux psychologiques.

Dans une sorte de thriller (avec quelques scènes qui pourraient choquer des spectateurs fragiles), Black swan aborde avec talent les thèmes immémoriaux de la danse classique : la jalousie, la mortification des corps par les exercices et la privation de nourriture ; il met aussi en évidence l’éternel combat entre le personnage et celui qui l’interprète – faut-il se perdre pour incarner le rôle ? Face à ses multiples avatars, Nina se dédouble, se métamorphose et se libèrera peut-être dans belle et troublante une scène finale.

Une autre façon de critiquer le film aurait été d’aborder le film via les thèmes ressassés, via les caricatures et les poncifs sur la danse et la schizophrénie. Mais cela n’aurait pas rendu honneur au bon moment que j’ai passé.

Réalisé par Denis Villeneuve en 2011 avec Rémy Girard, Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin, etc.

Dans son testament, Nawal Marwan demande à ses jumeaux Jeanne et Simon de retrouver leur père et leur frère, dont l’existence leur était inconnue, et de leur remettre à chacun une enveloppe. Alors que Simon demeure dans le rejet de la vie de sa mère, Jeanne s’envole pour le Moyen Orient et part sur les traces de ces deux hommes.

Dans une enquête qui mêle la recherche de Jeanne et des retours en arrière sur la vie de sa mère, dans un pays ravagé par la guerre entre les factions chrétiennes et musulmanes, le film entremêle de magnifiques séquences dans les paysages désertiques ou dans les villages aux murs blancs et les scènes dont la violence doit à peine rendre compte de la réalité du conflit.

Le Liban n’est jamais mentionné mais la guerre entre les communautés religieuses qui longtemps ensanglanta le pays, dans une incessante suite de massacres et de représailles, sourd de chaque image. En n’explicitant pas le conflit, le réalisateur le rend universel et donne à réfléchir sur l’absurdité de ces guerres de territoires, de pouvoir souvent basées sur une appartenance ethnique ou religieuse. Il faudra bien un jour s’interroger lucidement sur le rôle de la religion dans le développement de l’Homme, à la fois éclairante et massacrante.

Dans ce voyage initiatique, le réalisateur aborde avec force des thèmes intemporels et peut s’appuyer sur deux actrices formidables. Dommage cependant que la fin tende au grandguignolesque et affaiblisse le propos du film. A moins que Denis Villeneuve n’ait voulu nous donner à voir une version moderne d’une tragédie grecque : car l’intrigue en a tous les ingrédients. L’archétype de la tragédie grecque est Antigone de Sophocle : Œdipe tue Laïos, son père, épouse Jocaste sa mère, et donne naissance avec elle à quatre enfants. 2500 ans après Sophocle, la tragédie grecque a donc encore de beaux jours devant elle.